Во время московских гастролей Ивановского музыкального театра, в интервью «Культура.РФ», заслуженный артист России и режиссер-постановщик Валерий Пименов рассказал об особенностях музыкального театра, о необычных спектаклях, привезенных в Москву, и о том какая аудитория ходит на спектакли Ивановского театра.

«Для того чтобы запеть по-настоящему, актеру музыкального театра нужно семь лет»

Валерий Пименов: «Наш основной репертуар — классическая оперетта, мюзикл и музыкальная комедия. Мы музыкальный театр в полном объеме. Сегодня у нас сценическая площадка по размеру почти такая же, как в Театре Советской армии. А до этого мы работали в маленьком уютном Театре музыкальной комедии, где была хорошая акустика, где разговаривали по-другому, общаясь со зрителем практически тет-а-тет. Когда, как сейчас, 22 метра сцены и зал более чем на полторы тысячи мест — другая природа сосуществования, другая подача рук, а самое главное — по-другому слышишь зал и по-другому взаимодействуешь с ним. Мы работаем в одном здании вместе с драматическим театром на протяжении 25 лет и привыкли к этому. Один театр другому театру не мешает, и у каждого есть свой зритель.

На сегодняшний день в труппе 29 человек — это солисты, 20 — балет, 20 — хор и 30 — оркестр. Сейчас сложнее всего находить и приглашать в театр артистов балета. В Иванове нет такого учреждения, где бы готовили артистов балета и солистов для большой музыкальной формы. В музыкальном училище еще можно подготовить артистов хора или исполнителей на второй и третий план. Для исполнения главных партий нужно высшее музыкальное образование, либо консерваторское, либо ГИТИС. Сегодня все пришли к выводу: для того, чтобы запеть по-настоящему, нужно семь лет, чисто физиологически, чтобы разработать голосовые связки. Разумеется, если от природы заложены большие способности, надо меньше времени. Но чтобы все это вытащить и поставить на место, чтобы, придя в профессиональный театр, солист не сорвался, нужно практиковаться семь лет.

«Театральный художник должен владеть всеми видами изобразительного искусства»

Наш главный художник Валентина Новожилова — заслуженный работник культуры России, она способна создавать яркость и красочность в наших постановках при минимальном финансировании, из ничего. Сейчас это особенно сложно для нашего жанра — развлекательных спектаклей визуального ряда. Театр без нового материала перестанет быть интересным.

«Именно музыка для художника очень важна, через нее чувствуешь настроение, колорит произведения.
Прежде чем придумать экспозицию для спектакля, порой приходится не один день провести в библиотеке и обойти не один музей — ведь важны и архитектурные особенности, и бытовые нюансы, и костюмы. Получается, что театральный художник должен владеть всеми видами изобразительного искусства, быть немножко и архитектором, и портным, и историком.
Когда эскизы готовы, их отдают заведующему художественно-постановочной частью. Именно здесь они «приобретают объем». И только потом все идеи передают в цеха: декоративный, бутафорский, пошивочный и другие — для воплощения в реальность. Вся эта работа проводится перед каждой премьерой!»

«Донна Люция, или Здравствуйте, я ваша тетя!» — спектакль, позволяющий зрителю включится в процесс актерской игры»

Спектакль «Донна Люция, или Здравствуйте, я ваша тетя!» известен всем, кто интересуется театром. Он стал любим в Иванове с первого дня после премьеры. Эта постановка уже 11 лет идет на всевозможных театральных площадках, за эти годы в ней сменилось много исполнителей. В главной роли играет мой ученик — Дмитрий Бабашов, выпускник местной студии при театре, а ныне один из ведущих актеров нашего театра. Спектакль поставлен для зрителя и до сих пор везде принимается с энтузиазмом. Это история, рассказанная нашей труппой, которая играется актерами под аккомпанемент живого оркестра. В постановке задействованы и балетные номера. Сценическая версия во многом отличается от художественного фильма с Александром Калягиным в главной роли. Наша вариация иная по характеру и по форме подачи, неизменным остается лишь знаменитый сюжет о тетушке-миллионерше из Бразилии. В театральной интерпретации все действие разыгрывается на одной сцене, в отличие от кинофильма.

«Кастинг, или Белый танец для любимой актрисы» — спектакль для театральных гурманов»

Моноспектакль «Кастинг, или Белый танец для любимой актрисы» по форме и преподнесению рассчитан на театральных гурманов. Актерская тема: актриса и ее сценическая и закулисная жизнь всегда привлекательна для зрителя. Это редкая постановка для музыкального театра, потому что народная артистка Ирина Николаевна Ситнова — хорошая вокалистка, которая всегда исполняла в театре центральные партии. Но здесь она не поет, а три часа держит зрительный зал на монологах. А для актрисы музыкального театра три часа существовать с текстом, один на один со зрителем, я думаю, что это подвиг, высший пилотаж.

«Кастинг» — это сугубо драматическая, экспериментальная постановка, и любители оперетты поначалу реагировали на нее настороженно. Но искренность актрисы и ее умение вести диалог в конце концов приводят к тому, что эта история становится интересна всем. На спектакль приходят все больше и больше зрителей, среди которых много и молодых людей; он доступен, понятен и по-человечески трогает публику. Это бенефисный спектакль нашей народной артистки.

Роль отрицательного персонажа — более выигрышная для зрительских симпатий. Отрицательный персонаж, как правило, имеет более характерный материал, приоткрывает разные грани. Лирическим героям очень трудно сосуществовать, потому что им надо найти какую-то изюминку либо должна быть какая-то яркая индивидуальность. Особенно у драматических артистов, чтобы их было интересно слушать, смотреть на них и в это верить. Характерный артист имеет больше шансов вызвать интерес у зрителя, пусть даже он играет отрицательного героя, а положительный только в силу сюжета вызывает симпатию.

«Конечно, бывают и мертвые спектакли: ну вот не играется — и всё»

Мюзикл — это самый популярный и востребованный сегодня театральный жанр. Это клиповое сознание, присущее современному времени и молодежному мышлению. Он построен на музыкальных эпизодах. Любая импровизация должна сохранять форму спектакля. Есть спектакли, которые изначально поставлены в качестве молодежного действа, где позволяется экспромт. Каждый день приходят новые зрители — каждый раз и у актеров разное настроение.

Почему любой актер волнуется, пока занавес не откроется? Потому что вчера, когда играли, публика начала принимать нас сразу — сегодня играем так же: зритель сидит, зал как мертвый. И тогда начинаешь работать с партнером, как в хоккее, ты ему пас в глаз и думаешь: ну ладно, сейчас посмотрим, кто кого. Появляется азартное желание заразить своей игрой. У партнера тоже возникает другой подход, иная оценка, и это начинает захватывать зрителя. В результате к концу спектакля рождается обоюдное восприятие, поскольку весь театр — дело живое. Конечно, бывают и мертвые спектакли: ну вот не играется — и всё. Наше исполнение не превращается в конвейер. Мы все равно ищем подходы к публике, и нам, как актерам, неинтересно каждый раз повторять заученные фразы. Потому что, если интересно нам, будет интересно и вам.

«Важная составляющая театра — «живое общение»»

Когда смотришь спектакль в записи, все равно нет той энергетики, которая возникает в зале. Важная составляющая театра именно «живое общение», не зря же зрители придумали театр. Когда появился кинематограф, все думали, что люди пойдут в кинотеатры и забудут про театр. Но человек устроен как социальная личность, ему необходимо общение — нужно побывать в этой атмосфере, в этой ауре, как сейчас говорят. Ведь совсем другое дело, когда ты пришел в театр и увидел все своими глазами, сам всё ощутил и принял решение, приходить сюда в следующий раз или нет. Театр стал более демократичным, люди могут приходить в него не только в вечерних костюмах, но и в джинсах.

Когда со зрителем общаешься по-человечески, он начинает понимать и воспринимать материал в любом жанре — и природу юмора, и природу намека. Я думаю, иногда актуальность спектакля бывает и в этом. Не в том, чтобы всех раздеть или переодеть, а в том, чтобы найти человеческую сущность, которая будет интересна. У нас иногда бывает так: молодежь приходит на мюзикл, и мы показываем знаменитую постановку, но уже не первой свежести — «Проснись и пой!». И как-то на встрече с 11-классниками один парень встал и сказал: «Когда я пришел на этот мюзикл, мне он показался очень близким и современным, я так же с родителями ругаюсь, и у меня похожая история с девушкой». Когда есть полноценная человеческая основа, постановка работает и рассчитана на все времена.

«Знакомство молодежи с театром зачастую начинается с мюзикла»

Нас радует, что молодежь вернулась в зал. В конце 90-х был провал с посещаемостью: если старшее поколение еще с привычным воспитанием ходило в театр, то с молодежью было туговато. Если говорить о студенчестве, в нашем «селении» много высших учебных заведений. Мы даже два года боролись за звание столицы студенческого города. У нас идут мюзиклы, и зачастую именно с них у зрителя начинается знакомство с театром. Молодые люди, пришедшие в театр, удивляются: «Как, у вас поют живыми голосами?» А потом говорят: вот у вас идет ария «Мистер Икс» и у вас ее поют, а мы думали, что ее поют только по радио. Вот такой выходит казус. Потом, после мюзикла, они приходят на спектакль, где выступает живой оркестр, я имею в виду классические постановки, будь то «Марица» или «Севилья». И так постепенно втягиваются, и аудитория расширяется. Пока студенты учатся в Иваново, часто ходят к нам на спектакли, и нам приятно.

Жанр, в котором мы работаем, способствует заражению оптимизмом. Мы и сами им заражаемся: так, нырнешь на три часа в какую-нибудь сказку для взрослых — «Сильву», «Марицу», «Баядеру», «Веселую вдову». Все равно влияние музыки сказывается и на нас, а мы передаем этот положительный заряд в зрительный зал. Вот так и живем, радуя друг друга».

Благодарим за предоставленные фотографии и видео Ивановский музыкальный театр.